Fabio Bartolo Rizzo meglio conosciuto come Marracash, MCmilanese di origine siciliana appartenente alla Dogo Gang è sicuramente il rapper più competitivo quando si affronta l’argomento della scrittura. Nei testi “Marra” mette sotto forma di testo tutta la rabbia provata nel crescere in una città come Milano, ma che potrebbe essere qualsiasi città moderna in cui spesso a quanto pare sono i soldi a fare l’uomo, in cui regna l’individualismo esasperato. Rima delle pubblicità, dei luoghi comuni, del materialismo, degli oggetti della società del benessere che più che benessere semina frustrazione. Ed è proprio questo forse il nucleo tematico della scrittura dell’artista, anzi forse di tutta la sua poetica. La frustrazione.
Il Principe della Barona, il quartiere di provenienza è un punto di partenza, di fierezza che crea forza e identità di questo rapper. Con il gusto di essere se stessi, di non vergognarsi delle proprie origini, famiglia, storia, ma di marciarci sopra (e Marra lo fa forse fin troppo!), prendendo la propria vita intera, con tutte le schifezze e i grammi assunti, e farne il proprio unico e irriproducibile punto di forza. Puntarci tutto. Per non essere un prodotto dell’ambiente da cui si proviene, ma per fare in modo che l’ambiente sia un proprio prodotto. Dritto al punto, senza filtri, e con un immaginario da giungla molto forte, supportato dalla gente popolare e dalla gang dei Dogo, che a Milano vuol dire Bollino Blu.
Marra in questi ultimi anni ha avuto la capacità di riuscirsi a ritagliare un posto sui gradini più alti della scena Rap italiana grazie a due dischi che hanno segnato una svolta nella scrittura dei testi e nell’esposizione di un concept solido e ben articolato: “Persona” e “Noi, Loro, gli Altri“. Fin dal titolo del disco (Persona), infatti, si comprende il filo conduttore del progetto, ovvero il dualismo, dal quale deriva l’eterna lotta fra persona e personaggio, alla ricerca di un’identità impossibile da definire pienamente. 15 brani da ascoltare tutti di un fiato, e tante collaborazioni, 9 per l’esattezza, scelte accuratamente dall’artista, per far rendere l’album al massimo. Ogni sua rima, ogni sua parola ha il proprio peso, lasciando da parte la banalità e l’autocelebrazione, per darespazio alle sensazioni. Da non sottovalutare assolutamente è anche la denuncia sociale, che non ha nulla di politico, nulla di superficiale e non è mai scontata e fine a se stessa.
La forza solida delle produzioni Rap è unita a momenti di piena consapevolezza. È percepibile, fra le righe, una voglia di rivalsa che contrasta con la cupezza, una ricerca di speranza che si fa sempre più intensa. L’autore si immerge nelle sensazioni lasciate dalle esperienze degli ultimi anni, cercando venire a patti con il suo personaggio, rifiutando, come sempre, l’omologazione per seguire un percorso del tutto personale. Questo album è la prova che si può fare un Rap libero da imposizioni di mercato, in cui si possono lasciare fluire i pensieri per osservare con maggiore chiarezza cosa comporta oggi la popolarità e il suo legame con l’immagine che le persone attribuiscono arbitrariamente.
Dopo “Persona” Marra riesce di nuovo a stupirci con un altro grandissimo disco: “Noi, Loro, gli Altri“. Il disco, definito dall’artista un “Concept Album” come il suo predecessore, ha alla base l’idea della divisione sociale. Le tre copertine, una per ogni diversa versione del disco, hanno lo scopo di identificare il gruppo di appartenenza di ogni individuo. In questo nuovo album, il rapper di Barona ci racconta la sua visione del mondo intorno a lui, ci parla di amici, delle difficoltà che una persona può trovarsi ad affrontare, della paura di perdere qualcuno di importante. Solo nel brano “IO” troviamo una descrizione introspettiva già sentita in “Persona“. Immagina di dover essere un rapper ed essere costretto ogni volta ad alzare il tiro. Il concept del disco precedente era basato su “Persona” di Bergman, il nuovo disco si orienta verso concetti di spersonalizzazione e conflitti di classe a cui la società in cui viviamo ci obbliga, ma la critica è rivolta anche agli stessi artisti delle nuove generazioni che pensano solo alle views, ad essere famosi e a fare soldi, che spesso fingono di appartenere “alla strada” solo per apparire più fighi, ma in realtà risultano vuoti e senza background, dove l’omologazione, le mode e il successo restano gli unici obiettivi di una generazione che non ha ancora storicizzato i propri valori. Detto questo, musicalmente l’albumfunziona anche meglio di Persona che già è un capolavoro, soprattutto nella parte iniziale. Questa volta si apre con due ottime idee: la banger LORO e il campionamento di PAGLIACCIO e si prosegue restando su ottimi livelli per tutto l’intero disco. A differenza di “Persona“, troviamo solo 3 featuring, ma scelti benissimo: ovviamente non poteva mancare il pezzo con Gué, LOVE, un brano sull’amiciziacantato sulla base di Infinitydi Guru Josh; Poi Calcuttae Blancoche cantano rispettivamente i ritornelli di LAURA AD HONOREM e NEMESI. In realtà ci sono anche delle collaborazioni nascoste, Elodiein CRAZY LOVE, Salmoe Joan Thiele in COSPLAYER, con quest’ultima anche in NOI, e Fabri Fibra nella skit NOI, Loro E GLI ALTRI. Noi, Loro e gli Altri è l’ennesimo passo avanti di un artista che non deve più dimostrare niente, ma che continua a sorprendere grazie alla sua scrittura esemplare.
Le liriche di Marra sono più personali che mai, ma allo stesso tempo permettono una forte immedesimazione, con l’utilizzo di immagini universali, vicine a tutti gli ascoltatori. Forse Marra non riuscirà mai del tutto a vincere su Marracash, ma sicuramente non perderà mai la fame artistica che lo spinge a fare sempre meglio, perché la musica è un veicolo terapeutico potentissimo per esprimere i meandri della propria personalità.
Negli anni ’80, quando il Rap inizia a staccarsi dalle feste di quartiere per prendere una forma tutta sua, grazie a mostri sacri del genere come Run DMC e LL Cool J si iniziano a delineare i capisaldi della modaHip Hop: una carica di influenze provenienti dallo stile disco alla break dance passando per l’attivismo. Si iniziano ad indossare tute Adidas con l’immancabile tripla striscia e appariscenti gioielli. L’uniforme del rapper si arricchisce di accessori costosi o rubati al mondo dello sportswear: tra i must in questi anni figurano i cappellini da baseballNew Era e i bucket hat, gli anelli multifinger che formavano messaggi come “Love/Hate“, enormi catene dorate, scarpeenfatizzate dai maxi lacci o portate direttamente senza. Ma soprattutto, cambiano le proporzioni. Se prima erano accettate anche silhouette più aderenti, adesso i volumi diventano oversize, quindi sì a pantaloni baggy, t-shirt e felpe molte taglie più grandi. Il Rap dipinge immagini nitide delle vite ai margini, spaccati di una realtà cruda, abbandonata dalle istituzioni e segnata dalla frustrazione per un sistema corrotto, dalla povertà e al contempo da un bruciante desiderio di riscatto sociale, per questo motivo anche gli indumenti possono rappresentare una rivalsa per chi ha vissuto una vita in balìa del precariato e della povertà.
Gli anni ’80 sono un importante punto di svolta nel rapporto tra Rap e moda anche per l’imponente proliferazione di brand nati appositamente per soddisfare la scena Hip Hop: è il caso di FUBU, leggendario marchio di abbigliamento creato da Daymond John, oggi tra i più importanti investitori d’America. FUBU nasce come un manifesto della black culture e fa riferimento direttamente a chi si fa portavoce di quest’identità. Il brand già da subito puntò a creare un legame empatico con il cliente ed è per questo che funzionò in modo ottimale. Tra cappelli, maglie e felpe, all’inizio degli anni ’90 il brand è un successo e veste già tutti i rapper che contano, da Ol’Dirty Bastard agli NSYNC.
Nel 1982 nel mondo della moda inizia a farsi strada anche Dapper Dan, che negli ultimi anni ha vissuto di nuova fama grazie alla importante collaborazione con Gucci. Tra i principali creatori dello stile Hip Hop, il designer aprì la sua boutique nel cuore di Harlem, a due passi dal leggendario Apollo Theatre: si trattava di uno spazio innovativo, aperto giorno e notte, ventiquattro ore su ventiquattro. È evidente come lo stile e la scelta degli indumenti da utilizzare siano molto legate ai contesti storici vissuti in quel periodo. Ciò nonostante questa evoluzione dello stile ha continuato a rivivere fino ad oggi mutando forme e contenuti attraverso l’uso delle piattaforme virtuali e dei social in particolare. Ma mentre i rapper vecchia scuola andavano sempre di più verso lo stile classico ed elegante (non era raro vederli in completi scuri, con giacca e cravatta), nella scena odierna si trovano delle idee di moda decisamente più estreme e originali, con accostamenti bizzarri e una certa ossessione per alcuni brand.
La Trap, ad esempio può essere definita la variante contemporanea del Rap. Ha basi elettroniche cupe e testi dilatati. L’aspetto musicale è quasi secondario nel caso di questo genere. E’ il tipo di mondo che si rappresenta ed il personaggio che si interpreta a farla da padrone, ecco perché sono così importanti vestiti, scarpe, tatuaggi, capelli e accessori.
Se prendiamo come esempio uno dei più famosi in Italia, Sfera Ebbasta, e guardiamo cosa indossa, viene fuori un elenco lungo e curioso: Gucci, Supreme, Nike, Yves Saint Laurent, Versace, Vans, Adidas, Stella McCarteney, MSGM, Alpha Industries e potremmo continuare a lungo. In una delle sue performance (al concerto del Primo Maggio) esibiva ben due Rolex, ma anche un tanto improbabile, quanto fashion, marsupio molto stile anni ’80.
Il mix che ne viene fuori vede elementi streetwear, da rapper, assieme a tocchi fashion di chi vuole esibire brand del lusso, in stile swag, è uno stile difficile da definire ed interpretare che possiamo capire solo se riusciamo ad integrarlo a tutto il contesto legato ai vari social (Facebook, Instagram, TikTok). Quindi scarpe Vans, ma con accessori Gucci, occhiali Versace e pantaloni Adidas, elementi eleganti abbinati a capi per niente eleganti, ma con un tocco eccentrico, e tutti insieme convivono in uno stile che trova le sue influenze praticamente ovunque.
Dove i rapper non erano arrivati, ci sono arrivati i trapper: Tatuaggi su tutto il corpo, anche e soprattutto sul volto, la lacrima tatuata sotto l’occhio, le scritte “Hate” o “Love”, pugnali, teschi, cuoricini, anche qui va bene tutto, l’importante è esagerare. treccine colorate, boccoli, rasature decorative e tinte oltraggiose e provocatorie. Questo lo stile della nuova scena.
L’estetica è quella dello spacciatore che ha fatto i soldi e che si è riscattato fino al punto da non avere più bisogno di spacciare. Il mondo che si racconta è quello: cupo, drogato, ossessionato da moda e soldi, giovane e un po’ nichilista. Un tipo di estetica che non poteva non piacere alla moda, e viceversa. Parliamo di un mondo che vive su delle contraddizioni perenni dove i giovani sono costantemente vittime dei disagi sociali provocati da una società che tende deliberatamente a tagliare fuori qualsiasi tipo di individuo. Questo sistema “esclusivo” piuttosto che “inclusivo” fa si che le nuove generazioni cerchino in tutti i modi di sfuggire a determinati disagi sociali attraverso la musica e la moda, esprimendo il loro totale disappunto verso il mondo che li circonda.
Se ci fermiamo, anche solo un attimo, a guardare indietro, vengono i brividi al solo pensiero di quanti anni sono passati dalla prima volta in cui abbiamo messo piede in uno studio di registrazione e abbiamo avuto l’occasione di mettere le mani su un campionatoreAKAI.
Al tempo un campione lo dovevi “tagliare” su un display monocromatico, grande quanto un francobollo, potevi “salvare” un numero limitato di campioni e un campionatore aveva il costo pari a quello di un rene, sul mercato nero degli organi.
Tutto questo non ha però impedito a questa tecnologia di prendere piede fin dalla metà degli anni 80, soprattutto nella cultura Hip Hop che ha fatto del campionamento una cifra distintiva, pescando a mani piene nella musicaSoul e R’n’Banni 60/70/80.
Proseguendo nell’ascolto, scoprirete che questo smielatobrano d’amore, uscito il 22 Ottobre del 1968 per Philly Groove Records, non ha ispirato solo Timbaland: è il 2 Settembre 1996 infatti, quando grazie alla Ruffhouse Records, esce il brano di esordio dei Fugees “Ready or Not” che, grazie ad un testo rivisitato in chiave street, ed all’intro di “Boadicea”, brano scritto e interpretato dalla “fata celtica” Enya, uscito il 2 Novembre del 97 per Warner Music UK, preso in prestito per la creazione del beat, riescono a regalarci una nuova versione più aggressiva di questo classico del Soul.
The Delfonics – Ready or Not Here I Come (Can’t Hide from Love)
Il Rapper parla alle nuove generazioni con un linguaggio crudo, semplice e immediato. Il Rap ha avuto un forte impatto sulle nuove generazioni che sentono e hanno voglia di esprimere un disagio interiore e sociale e questo genere è un ottimo mezzo per comunicare e urlare quello che non ci piace nella società.
La maggior parte dei Rapper sono persone che hanno vissuto un percorso difficile ed hanno trovato nella musica uno strumento efficace per sfogarsi, per superare i loro problemi, per esprimere i loro disagi.
July 1993
Non solo, riescono anche a leggere la società con tutte le sue contraddizioni. I loro testi, le loro parole non hanno mezze misure. Loro non vogliono essere poetici, ma vogliono lanciare messaggi, in cui credono veramente, in modo semplice e immediato, anche se molto spesso crudo. Spesso dietro la loro immagine da arroganti e il loro stile sportivo o trasandato si nasconde una grande sensibilità nel capire i disagi delle persone.
Di seguito una lista di libri sui Rapper che hanno saputo distinguersi e ritagliarsi un posto nel mondo della musica.
1) Dietrologia. I soldi non finiscono mai di Fabri Fibra
Il Rap è un genere che sa affrontare un’ampiagamma di tematiche e l’argomento del sessismo è solo un piccolissimo aspetto di una cultura artistica che possiede grandicapacità critiche ed espressive e che ha già dimostrato ampiamente di sapersi mettere in discussione, dimostrando di essere una culturaantisessista, ma comunque affine a determinati valorimusicali. La cultura Hip-Hop rappresenta uno spazio di resistenzacreativa dal basso, uno sguardo decentrato che si eleva sulle narrazioni banali, spesso soffermandosi su questioni legate a razza e classe, ma definendo bene determinati confini ed esprimendo di continuo il disagio collettivo attraverso un linguaggio aggressivo. Sempre più spesso infatti questa cultura rappresenta e ha rappresentato anche le lotte per i diritti delle donne, citando solo alcune delle artiste che hanno contribuito alla causa come Akua Naru, Sara Hebe, Keny Arkana, Ana Tijoux, Shadia Mansour, KT Gorique, Mc Manmeet Kaur. Per tale motivo risulta paradossale l’accanimento verso il genere Rap, un genere che si presta facilmente alle accuse rispetto ad altri generi più mainstream anche per la storia che si porta dietro o, meglio, per le storie che caratterizzano il tipo di scrittura utilizzato nei testi.
Il Rap ha un linguaggio diretto e schietto, nasce dalla marginalità. Un genere capace di offrirci la possibilità di una prospettiva radicale da cui guardare, creare, immaginarealternative e nuovi mondi alternativi, ma nello stesso tempo di riuscirci a riportare tutti con “i piedi per terra” stabilendo un reale contatto con i problemi che caratterizzano la vita dei quartieri. Il Rap naturalmente non è solo politico, ma si fa politica anche quando si pensa di non farla: quando il linguaggio è sistematicamente misogino questo è riscontrabile nell’immediato a tal punto da definire un immaginario preciso, tale contesto per lo stesso e identico motivo può essere interpretato in un modo differente, questo perché i testi Rap al contrario degli altri generi musicali sono molto più autobiografici.
Un altro interrogativo ricorrente riguarda il tema del cantante (Rap): può un grande artista fare uso e consumo di un linguaggio misogino per rappresentare la sua idea artistica senza che essa venga censurata o colpita ingiustamente dalla critica? È una questione di censura o, viceversa, di etica morale? Qual è il confine di accettabilità del linguaggio sessista, dal «semplice» uso di termini che invece non hanno assolutamente nulla di sessista?
Sono tutte domande che trovano la loro risposta in un unica domanda: Siamo davvero convinti che contestualizzando i testi Rap l’unica conclusione è che siano misogini? Non credete sia stia davvero esagerando su questo tema senza riuscire minimamente a considerare i contesti in cui vengono utilizzate certe parole ed il modo ironico di rappresentare l’universo femminile legato a quello maschile. In realtà i consumatori svolgono un ruolo chiave in questo processo in quanto fruitori di un prodottocondizionato dalle tendenze del momento: lo scontro è quello per trovare l’equilibrio tra ciò che l’artista vuole esprimere e ciò che il pubblico vuole ascoltare. Spesso viene indicato questo tema come risposta a chi predilige l’utilizzo di testi decisamente più provocatori, ma che fondamentalmente non sta seguendo nessun tipo di strada legata al marketing, ma segue semplicemente se stesso e le esperienze vissute nel quotidiano, questo perché i testi non fanno altro che ripercorrere il background dell’artista.
Nel brano Let Me Ride ad esempio, Dr. Dre esprime «un elogio della vita gangsta» e nel suo articolo U.Net aggiunge come a un certo punto «da The Chronic in poi le etichette discografiche delimitarono la musica Rap in una formula ben definita – sesso, droga e strada – questo perché la maggior parte dei rappers affrontavano questi temi in modo deciso avendo di persona vissuto determinati episodi nella loro vita ed essendo strettamente legati a dinamiche familiari distruttive che hanno inciso notevolmente sulla loro scrittura. Questi testiriproducono un immaginario subalterno, articolato e creato dall’uomo che descrive la donna in un modo che potrebbe apparire misogino, ma in realtà, chi si identifica in quel genere musicale condivide in pieno quell’attitudine narrativa, ed è soprattutto il genere femminile ad approvare tale narrazione in quanto riesce tranquillamente a coglierne l’ironia di fondo senza lasciarsi trasportare da giudizi estremi e preconcetti. Per tale motivo, quando capita di ascoltare le critiche dalle cosiddette vecchie generazioni verso la generazione Z che riguardano principalmente i concetti e le paroleusate nelle canzoni ci rendiamo conto come certi “puristi del genere“, in realtà, vivono questa esperienza in un modo del tutto contraddittorio e che la loro posizione risulta essere basata su concetti che sono totalmente in antitesi tra loro. Basti pensare al dozens, pratica ricorrente nelle battle di freestyle – sfide verbali rituali che caratterizzano le situazioni di scontro nel Rap – in cui ci si insulta in rima finché uno non si arrende e si tende a usare termini femminilizzati o omofobi per mettere in dubbio la virilità degli stessi contendenti, ma lo scopo finale resta principalmente ricreativo e i contenuti sono una forma di linguaggioprovocatoria utilizzata per fini e scopi legati ad una competizione.
Potremmo prendere delle frasi di alcune canzoni famose ed estrapolarle dal loro concetto totale e suonerebbero decisamente sessiste.
Vasco Rossi (‘è andata a casa con il negro la tro…’)
Marco Masini (‘bella stronza, mi verrebbe di strapparti quei vestiti da putt… e tenerti a gambe aperte’)
Bella Stronza
Achille Lauro (‘l’amore è un po’ ossessione, un po’ possesso. carico la pistola e poi ti sparo in testa’)
La Bella e la Bestia
Myss Keta (‘toccami la gamba, passami la bamba, Jo sono la tua tro…’)».
Milano, Sushi e Coca
Tutte queste frasi non hanno senso se vengono private del concetto essenziale che può essere compreso solo ed esclusivamente tenendo presente l’intero testo scritto dell’artista. Finché non si agisce fisicamente, il linguaggio è un puro esercizio di stile perché, l’arte può avere un linguaggio esplicito ed il Rap, da sempre, fa grande uso di elementi narrativi di finzione e immaginazione che non rappresentano necessariamente il pensiero dell’artista, ma che a volte servono per creare l’atmosfera giusta per chi ascolta e chi apprezza questo genere musicale. Essendo la musica Rap emersa dalle condizioni dei quartieri più malfamati è comprensibile come nel tempo abbia assimilato anche un tipo di linguaggio che non può assolutamente essere paragonato al linguaggio utilizzato nella musica tradizionale. La prostituzione di strada è presente in questi quartieri svantaggiati e marginali. Chi vive in queste aree incontra ostacoli nella ricerca di lavoro e la prostituzione così come il pimpin’ possono essere viste come strade alternative ai lavori di sfruttamento. Esiste quindi una consapevolezza maggiore di chi racconta attraverso la musica la vita dei quartieri, dando un’immagine spesso cruda, ma reale, utilizzando un’ironia tagliente, ma efficace, sdoganando i tabù della società e ridando speranza ad una narrazione musicaleoriginale ed unica.
A differenza di gran parte della musica di largo consumo, il Rap non viene suonato da strumenti musicali nel senso tradizionale del termine: al posto di chitarre, basso e batteria, viene utilizzato il campionatore, una macchina, o un software, in grado di registrare frammenti da dischi, CD o da qualsiasi tipo di fonte audio e di cucirli insieme creando i tappeti musicali sui quali i rapperarticolano le proprie rime. L’approccio compositivo non è, quindi, quello del musicista, ma quello del DJ. Per creare le proprie canzoni si utilizza musica già registrata, ricombinandola in modo originale.
Kool DJ Herc
Da genere di “nicchia” il Rap è riuscito a ritagliarsi uno spazio importante anche all’interno della musica italiana in generale. Perfino una manifestazione canora come Sanremo negli ultimi anni ha ospitato diversi rappers. Va certo ricordato che il Rap più crudo a Sanremostonerebbe comunque un po’. Le canzoni presentate vengono sempre addolcite, confezionate e infiocchettate in modo da essere più facilmente accessibili ai milioni di telespettatori dai gustieterogenei e dalle orecchiepoco abituate a raffiche di rime a tempo di rullante. Nonostante la nuova diffusione del genere musicale Rap, quando invece parliamo di Hip Hop ci rendiamo conto che questa “cultura musicale” riguarda ancora un pubblico minore, ma pur sempre fedelissimo alla causa. La prima espressione che abbiamo conosciuto, di quella che avremmo poi scoperto essere la cultura Hip Hop, è il Writing. O meglio: le lettere giganti ed intrecciate che vedevamo nascere sui muri della nostra Città, sui vagoni dei treni locali e sotto i porticati delle case popolari dove giravamo negli anni 2000.
L’eccessivo purismo dell’epoca ha individuato negli Articolo 31 e nei Sottotono i principali capri espiatori, colpevoli di aver portato la musica al grande pubblico, guadagnando anche del denaro, cosa inammissibile per la mentalità dell’epoca. L’underground contro il commerciale è stato un tema caldo fino ai primi anni del 2000. In quegli anni, essere additati come “Sucker“, anche solo per gioco, era il peggior insulto che un B-boy potesse ricevere. All’epoca esistevano regole rigide che erano improntate su determinati valori che risultavano essere fondamentali per il rispetto di quella cultura musicale. Il vero MC, inteso come “Maestro di Cerimonia” doveva avere delle caratteristiche ben precise. La componente del messaggio è fondamentale, così come la ricerca di uno stilepersonale, di una firma, possedere un senso spiccato di intrattenimento, avere flow, metrica, rimeoriginali.
Le discipline Hip Hop possono essere intese metaforicamente come uno sport, dato l’elemento competitivo, se pensiamo al breaking difficilmente si può parlare di una metafora. Il breaking infatti è un’impegnativaattività fisica che collega l’abilità tecnica e la forza muscolare del ginnasta, unita alla sua tensione agonistica, con l’espressività della danza, il tutto condensato in coreografie, similmente alle scritteelaborate dai writers, destrutturate e sinuose allo stesso tempo. Evolutasi come disciplina quasi esclusivamente maschile, il breaking consente di dar sfogo al bisogno di esprimere la propria corporeità, di metterla alla prova, mostrarsi e mostrare la propria forza fisica – valore molto sentito in tutte le culture di strada – in un contesto dove l’aggressività si relaziona inaspettatamente con l’armonia ed il ritmo, la forza si modella e diviene forma, dove il gesto violento si trasforma in comunicazione, dove esercitandosi a dare forma al proprio corpo, si attivanoprocessi di cambiamento profondi. Un altro importante aspetto del breaking è il fatto che sia una disciplina praticata in strada, sia nei momenti di allenamento sia in quelli di esibizione. Per gli adolescenti ciò li porta a rapportarsi in un modo inedito al contesto urbano. La strada è luogo abituale di ritrovo, protagonista di importanti momenti di svago e socialità.
Le quattro discipline che constituiscono l’Hip Hop e che hanno sviluppato nuove forme pur restando sempre fedeli a determinati valori sono fondamentali per la creazione di nuovi modelli musicali a cui oggi si ispirano anche i veterani della musicaPop italiana.
I produttori di musicaRap, nella tradizione del djing Hip Hop, utilizzano come materia prima per le proprie creazioni i dischi ed i suoni che li circondano e che meglio conoscono perché caratterizzano o hanno caratterizzato la propria vita: dalle canzoni dei genitori ascoltate durante l’infanzia ai propri musicisti preferiti. Rielaborando questi suoni, il produttore Hip Hop ripercorre la propria identità ed il cut up, la tessiturameticcia che risulta nel prodotto finito, si rivela un importante strumento per rappresentarsi, per avere una visione sinottica e in qualche modo strutturata del proprio essere molteplice. Per questi ragazzi costruire basi di musica Hip Hop, elaborando e ricombinando elettronicamente tale panorama di suoni, vuol dire ridefinire la propria identità e creare uno specchio nel quale vedersi e contenersi senza dover per forza scegliere chi essere in una logica di esclusione. Si tratta di una differenza di processo che ne determina un’importante peculiarità non solo dal punto di vista strettamente musicale: comporre basi di musicaRap costringe gli autori a confrontarsi con frammenti del proprio vissuto e della propria esperienza, con approcciotrasformativo. E’ facile notare come ciò possa divenire significativo, in particolare, per gli adolescenti figli di immigrati, per i quali la musica ascoltata in casa è quella del paese d’origine, mentre quella che si fruisce attraverso il personale iPod è tipica del luogo di vita attuale. Il genereHip Hopunisce le persone, fondeculture musicali e dà vita a qualcosa di nuovo e di unico. Nasce e si afferma come strumento di protesta nelle mani di tutti quei membri della società, che si sentivano incompresi. La trasversalità, è il lato che amiamo di più dell’Hip Hop, perché, al di là di ciò che ogni tanto diventa nelle mani delle “persone sbagliate”, è un genere che ci obbliga ad interessarci a tutti quei suoni che l’hanno composto, elevato, distinto.
L’Hip Hop è, inoltre, un orecchio attento sulla condizione della gente, è l’arte del toasting, è puro groove.
Il Gangsta Rap è un genere di musicaHip Hop che è divenuto popolare a partire dagli anni novanta, come conseguenza dello stile di vita violento di alcuni quartieri americani, in cui povertà e criminalità erano (e in alcuni casi lo sono tutt’ora) all’ordine del giorno.
Poter (e potersi) raccontare “senza censure” è sempre stato un vantaggio per chi scrive testi rap, il Gangsta Rap è un genere di musicaHip Hop che nasce per necessità di chi racconta le difficoltà quotidiane del proprio quartiere, le difficoltà sociali/razziali, ma anche il riscatto socio/culturale di chi ce l’ha fatta.
Lo stile e i testi
A livello musicale, il Gangsta Rap è caratterizzato da testicrudi, aggressivi e realistici, che rispecchiano le difficoltà incontrate dagli artisti del genere nella vita di tutti i giorni: potrebbe essere considerato una sorta di reportage dal ghetto, con temi che includono sparatorie, violenza e guerre tra gang, consumo e smercio di droga, misoginia ed eccessi di ogni genere; non mancano tuttavia i brani più rilassati, di evasione, che creano atmosfere più di “festa” (soprattutto delle cosiddette house party, ovvero le feste in casa), nelle quali comunque si avverte o si fa riferimento esplicito alla realtà non semplice che si è costretti ad affrontare ogni giorno. Data la natura iperrealistica del genere, lo sviluppo delle tematiche si svolge prettamente sotto forma di un vero e proprio storytelling, spesso in prima persona. Tra le tracce più importanti e significative di questo tipo, troviamo “Gin and Juice” di Snoop Dogg, estratto dal suo album “Doggystyle” rilasciato nel 1993, e “It Was a Good Day” del rapper Ice Cube, dal suo album “The Predator” del 1992.
Questo tipo di Rap è anche ricco di dissing, ovvero tracce prodotte appositamente per denigrare, insultare o minacciare qualche avversario, solitamente un’altro rapper con il quale si è creato dell’astio (come nel caso della traccia “Fuck wit Dre Day”, prodotta e rappata da Dr. Dre in collaborazione con Snoop Doggindirizzata a Eazy-E).
A volte invece il dissing è indirizzato a qualcuno di esterno al rap game, a volte è indirizzato a un’intera categoria, e in questo caso può prendere le sembianze di una vera e propria denuncia sociale: caso emblematico di questo tipo è il brano Fuck tha Police degli N.W.A., estratto dal loro album del 1988Straight Outta Compton. La traccia in questione può essere considerata un vero e proprio dissing alle forze di polizia di Los Angeles, che venivano accusate di abuso di potere e accanimento violento ai danni dei cittadini di colore.
Le strumentali e il sound
Le strumentali del Gangsta Rap sono tipicamente di impatto, spesso semplici ma incisive. Soprattutto nelle fasi primordiali del genere, (nella seconda metà degli anni ottanta) si possono notare molte similarità con l’Hip Hop Old School: batterie ”grosse”, scratch del DJ e voce del rapper molto riverberata. La parte melodica e armonica è spesso ridotta all’osso se non completamente assente: 6 N the Mornin’ di Ice-T è un’ottimo esempio che rispecchia tutte queste caratteristiche. Con l’evolversi del genere, tuttavia, il sound diventerà più complesso e “tipico”, slacciato dall’Hip Hop vecchia scuola: durante gli anninovanta, ad opera soprattutto di Dr. Dre, ma anche di artisti come DJ Quik e il gruppo Above the Law, si assisterà ad una vera e propria fusione del Funk con l’Hip Hop, dando vita al sottogenere G-funk, caratterizzato da un maggior utilizzo di parti suonate e registrate a discapito dei samples e da un groove e melodie tipicamente funky; suono emblematico del genere è sicuramente il famosissimo funky worm utilizzato da Dr. Dre in praticamente ogni traccia del suo album The Chronic del 1992, ovvero un suono molto acuto prodotto con il sintetizzatore Moog.
La storia e gli inizi
La vera culla dell’Hip Hop è New York. I primi artisti Rap di questa grande città hanno creato negli anni settanta un sound e una cultura che ha dato voce ai giovani neri delle città d’America. Mentre nella Grande Mela si sviluppava questo nuovo movimento culturale, sulla costa ovest degli Stati Uniti la storia era diversa. A Los Angeles, infatti, la scena musicale e gli artisti dei primi anni ottanta erano lontani dal soundHip Hop.
Il cuore della vita notturna di L.A. erano le feste, tenute solitamente presso piste di pattinaggio o sale da ballo, alle quali era presente un DJ attrezzato con un paio di giradischi e un mixer accompagnato eventualmente da delle band che si esibivano live: si suonava principalmente techno e funk, generi predominanti all’epoca nella zona di Los Angeles. Alcuni gruppi tuttavia, influenzati dal nuovo sound Hip Hop della East Coast, crearono uno stile musicale che fondeva queste influenze con la techno e l’electro funk: uno tra questi, decisivo per il successivo sviluppo del West Coast Rap, fu il “World Class Wreckin’ Cru”, che fece il suo debutto nell’anno 1984. Tra i componenti di spicco del gruppo ci furono Dr. Dre, DJ Yella, e Lonzo Williams. Il loro sound aveva però molto più in comune con la musica di Prince e Funkadelic rispetto a quella dei Run DMC, ad esempio. A dare invece il primo imprinting “gangsta” alla musicalosangelina fu il rapper Ice-T.
Il primo approccio “Gangsta”
Ispirato dallo stile di vita delle gang di strada, il rapperIce-T sentì di dover documentare ciò che vedeva e viveva tutti i giorni. Produsse così nel 1987 il singolo “6 ‘N the Mornin’”, che a livello testuale si presenta come una sorta di “inno di strada”, documentando la quotidianità di gangster e spacciatori dell’epoca. La strumentale del brano è minimalista, lo storytelling è infatti accompagnato da una ritmica semplice e incisiva; una vera e propria novità nel panorama musicale di L.A.
Nonostante con “6 ‘N the Mornin‘” si sancisca solitamente la nascita del Gangsta Rap, Ice-Tafferma che la sua fonte di ispirazione principale per mettere in rima le difficoltà di strada dei quartieri di L.A. fu il brano “Park Side Killers” del rapper di PhiladelphiaSchoolly D, artista che trattava temi come il realismo urbano, la violenza e la spavalderia sessuale. Possiamo considerare dunque Schoolly D come il primo vero gangsta rapper della storia, anche se furono poi gli artisti della West Coast, come appunto Ice-T con il suo singolo, a dare reale importanza a quel sound e a renderlo un genere a sé stante.
Gli N.W.A.
Mano a mano che le strade di L.A. diventavano più pericolose, (a causa anche dell’arrivo del crack) i DJElectro come Dr. Dre, Arabian Prince e DJ Yella reagirono alla nuova realtà, adottando un sound diverso, più lento, più minaccioso e più incentrato sul raccontare una storia e uno stile di vita, nonostante per il momento la musica più gettonata nei locali (e ancora suonata da Dr. Dre stesso) fosse ancora l’Electro. I tre artisti, insieme a Eazy-E, MC Ren e Ice Cube, fondarono, nel 1986, il gruppo Gangsta RapN.W.A., acronimo di niggaz with attitude, all’interno dell’etichetta Ruthless Records, fondata un anno prima da Eazy-E, Dr. Dre e il manager Jerry Heller.
Gli N.W.A. si riveleranno essere uno dei gruppi più influenti della storia del Gangsta Rap, se non dell’intera epoca degli anni novanta. Appartenenti al violentissimo quartiere losangelino di Compton, dal quale provenivano tutti i membri, il gruppo componeva testi spesso apparentemente inneggianti a criminalità, violenza, spaccio di droghe, vita di strada e misoginia, che ben rispecchiavano il clima che si respirava a Compton, ma anche di protesta contro i soprusisubiti dalla popolazione afroamericana da parte della polizia.
Il disco gangsta per eccellenza: “Straight outta Compton”
Il singolo di “svolta” degli N.W.A. è stato “Boyz-n-the hood”, rilasciato nel 1987. Scritto da Ice Cube (quasi come una sorta di continuo di 6 ‘N tha Mornin’ di Ice-T) e cantato da Eazy-E, fu questo brano a dare una direzione artistica definitiva al gruppo. Si tratta anche in questo caso di uno storytelling della giornata tipo di un gangster di Los Angeles, accompagnato da una produzione minimale composta da batteria, sample di synth, hits tipici dell’Hip Hopanni ottanta e scratch sul ritornello.
Ciò che però sarà di fondamentale importanza per la scena musicale di L.A. fu il disco “Straight Outta Compton”, pubblicato l’8 Agosto del 1988. Con questo album, che ebbe un successo incredibile, il Gangsta Rap si fece posto nel mainstream musicale di Los Angeles, spodestando la Techno e la Electro, e inoltre spostò il fulcro della scena Hip Hop sulla West Coast. Nell’album si testimoniava la repressione che si sentiva nelle strade di South Central L.A. e si esportava questa visione ad un pubblico molto più ampio di quello che l’Hip Hop aveva potuto avere fino ad allora. Fu proprio questo il motivo per cui Straight Outta Compton fece tanto scalpore e attirò così tanto l’attenzione dei media: il Gangsta Rap arrivò anche nei quartieri “bianchi”, e moltissimi ragazzini con nessuna affiliazione al ghetto o alla vita di strada cominciarono ad ascoltare il genere ed esserne influenzati, tanto da rendere i gangsta rapper degli eroi della nuova generazione.
Fu un singolo estratto dall’album, in particolare, ad attirare l’attenzione dei media e, addirittura, dell’F.B.I.: Fuck tha Police, nel quale il gruppo si scaglia apertamente contro i soprusi effettuati dalle forze dell’ordine di Los Angeles a danno della popolazione afroamericana. Il culmine dello scandalo legato a questo brano si raggiunse durante un concerto a Detroit, nel 1989, dove la polizia invase il palco per cercare di arrestare i membri della crew, dopo che il divieto imposto loro di cantare Fuck tha Police non fu rispettato.
L’evoluzione verso un nuovo stile
La costa ovest aveva dunque oramai attirato l’attenzione di tutta l’America. Dopo lo scioglimento degli N.W.A. nel 1991, Dr. Dre registrò un album da solista che avrebbe cambiato il futuro dell’Hip Hop e della cultura popolare americana, ovvero The Chronic. Rilasciato il 16 Settembre 1992, l’album richiamava rispetto ai precedenti lavori con gli N.W.A. un clima più spensierato, più simile all’atmosfera delle house party (feste in casa) di L.A., seppur conscio dei tempi pericolosi che correvano e dei vari problemi che affliggevano i quartieripopolari. Le produzioni di Dr. Dre in questo album, di livello elevatissimo e con un utilizzo più massiccio di strumenti a discapito dell’impiego di campionamenti rispetto all’Hip Hop degli anni precedenti e a quello della costa est, presentano un groove e una ritmicaFunky, che contribuirono a spostare nuovamente il West Coast Rap verso un’altra direzione, composta dalle influenze gangsta del Rap e dalla musicaFunky onnipresente a L.A.: il G-Funk.
Questo spostamento di “focus” non fu tuttavia gradito a tutti sulla East Coast, che si vide strappato il suo scettro finora indiscusso sul mondo Hip Hop: in particolare tra la Bad Boy Records, casa discografica guidata da Puff Daddy e comprendente artisti del calibro di Craig Macke The Notorious B.I.G., e la Death Row si creò un acceso clima di tensione e rivalità, per assicurarsi il predominio su un mercato che stava diventando sempre più lucrativo.
Questa contesa per il primato sul mercato musicale fu marchiato dai media come una vera e propria faida, una guerra tra East e West Coast (nonostante in realtà, almeno all’inizio, si trattava poco più che di frecciatine). Questo contribuì ad aumentare ulteriormente l’esposizione del Rap (e in particolare del Gangsta Rap) ad un pubblico ancora più ampio e inoltre creò una sorta di rivalità nei fan dell’una e dell’altra scena, impattando in maniera indelebile la cultura Hip Hop degli anni novanta.
La situazione diventò molto più seria dopo che a Tupac vennero sparati cinque colpi in uno studio di registrazione di New York il 20 Novembre del 1994. Il rapper accusò laBad Boy Records, e in particolare Notorious B.I.G. (fino ad allora suo grande amico), di essere il mandante dell’attentato. Quando nel 1995 Notorious B.I.G. pubblicò il branoWho Shot Ya?, la situazione precipitò. Il brano sembrava infatti essere una sorta di rivendicazione diNotorious B.I.G. per la sparatoria che aveva ferito Tupac nel 1994; Shakur, sicuro della responsabilità della Bad Boy Records, pubblicò nel giugno del 1996 il singolo Hit‘Em Up, ovvero il dissing probabilmente più famoso della storia del Gangsta Rap: costruito su un campionamento del brano Don’t Look Any Further di Dennis Edwards, la traccia prende di mira in maniera pesante, tra minacce di morte e ridicolizzazioni varie,Notorious B.I.G. e Puff Daddy, ma non risparmia neanche gli altri artisti della Bad Boy Records, oltre che altri nomi importanti della East Coast, come i Mobb Deep. Il brano è considerato un vero e proprio classico del Gangsta Rap, seppur fu criticato per l’eccessiva istigazione alla violenza che proponeva, e probabilmente a buona ragione: il 7 Settembre 1996, in seguito all’ulteriore inasprimento della faida, Tupac verrà colpito a morte da diversi spari a Las Vegas. Notorious B.I.G. subirà la stessa sorte pochi mesi dopo, il 9 Marzo del 1997.
Dopo questi due tragici omicidi, le rivalità furono finalmente deposte: le due coste avevano perso i loro esponenti più importanti e grazie all’enorme esposizione mediatica tutto il mondo ormai conosceva il clima di ostilità e le difficoltà che il Gangsta Rap raccontava nei suoi testi.
L’Hip Hop è nato nel quartiere del Bronx a New York50 anni fa e da un movimento di persone ignoranti e snobbate dal punto di vista creativo è diventato un fenomenocommerciale e sociale che ha portato a una rivoluzione nel mondo della musica, della danza, dell’abbigliamento e del design.
Un traguardo significativo i cui sviluppi nel corso di cinque decadi vengono esplorati attraverso oltre 200 fotografie in mostra da Fotografiska su Park Avenue. ‘Hip Hop: Conscious, Unconscious‘ (fino al 21 Maggio 2023), in collaborazione con la rivista Mass Appeal, e curata da Sacha Jenkins e SallyBerman, rispettivamente responsabile creativo e ex direttrice della fotografia della rivista, cattura tutti i momenti che hanno segnato la storia dell’Hip Hop, dalle sessioni improvvisate nel Bronx fino ad un’industria multimiliardaria, oltre a tracciare il ruolo che la fotografia ha avuto nel dominio mondiale da parte del genere musicale.
“I fotografi – ha spiegato Jenkins – erano, per così dire, le ostetriche che hanno aiutato (metafora per far nascere) sia coloro che ne erano parte sia quelli al di fuori a capirne il valore”. Gli scatti fotografici, tra gli altri, riportano indietro nel tempo, a quando negli anni ’70, in una New York in cui la criminalità proliferava e il denaro non era mai abbastanza, la creatività era tuttavia ai massimi e la gioventù, nel tentativo di essere qualcuno e di emergere da quartieri considerasti di serie B, cominciò a fare comunella nei parchi e a danzare e a registrare come se si trovare in uno studio vero e proprio.
La nascita ufficiale dell’Hip Hop viene fatta risalire all’Agosto del 1973 quando un’adolescente di origini giamaicane, di nome Cindy Campbell, chiese al fratello più grande di fare da DJ ad una festa di quartiere per raccogliere soldi per dei vestiti. La ragazza cominciò a distribuire volantini ed ad invitare persone nella sala ricreativa di un condominio nel West Bronx per vedere l’esibizione del fratello noto con il nome DJ Kool Herc, il quale mixava abilmente dischi reggae a quelli funk, rock e disco.
Nasce come una forma di espressione per i giovani afroamericani e latini che vivonono in condizioni di povertà e degrado sociale. La musica rap, che rappresenta il pilastro dell’Hip Hop, è caratterizzata da testi parlati o cantati su una base ritmica, spesso accompagnati da campionamenti di musica funk, soul e jazz. Il testo rappresenta una forma di denuncia sociale, attraverso la quale gli artisti descrivono la realtà dei quartieri difficili, lottando contro il razzismo, la violenza e l’ingiustizia sociale.
Ma l’Hip Hop non è solo musica, è una cultura a 360 gradi che comprende vari elementi, come la breakdance, il writing (o graffitismo), il beatboxing e la culturafashion. La breakdance è un tipo di danza acrobatica che incorpora elementi di ginnastica e arti marziali, mentre il writing o graffitismo è l’arte di creare disegni murali su muri e superfici pubbliche. Il beatboxing è un’abilità vocale che prevede l’utilizzo della voce come strumento portato musicale, mentre la culturafashion ha alla nascita di uno stile unico e inconfondibile, che ha influenzato l’abbigliamento di intere generazioni.
L’Hip Hop è diventato un fenomeno globale, che ha conquistato il mondo intero, diffondendo la sua musica e la sua cultura in ogni angolo del pianeta. Artisti come Tupac Shakur, Notorious BIG, Jay-Z, Eminem e Drake hanno raggiunto un successo planetario, diventando icone della cultura Hip Hop e influenzando intere generazioni di artisti.
Ma l’Hip Hop non è solo una forma di intrattenimento, è anche una forma di impegno sociale e politico. Molti artisti Hip Hop si sono impegnati in battaglie per i diritti civili e umani, denunciando le ingiustizie sociali e le violazioni dei diritti umani.
L’energia degli anni ’70, che ha dato vita al fenomeno, è dinamicamente catturata attraverso reportage fotografici di quel periodo, prima che l’Hip Hop prendesse coscienza di se stesso (da qui Unconscious nel titolo). Negli anni ’80 e ’90 c’è il passaggio alla produzione di album, di conseguenza arrivano i soldi, si crea una moda e soprattutto si crea fiducia in quella cultura. Quella consapevolizza viene rivelata attraverso scatti più recenti (quindi Conscious).
La mostra non manca di evidenziare il valore che le donne hanno dato alla cultura dell’Hip Hop. Tra gli scatti più significativi un ritratto regale di Queen Latifah, i cui inni femministi ‘Ladies First‘ e ‘U.N.I.T.Y.‘ hanno denunciato l’aumento dell’aggressività e della misoginia nei testi dell’Hip Hop agli inizi degli anni ’90.
In conclusione, l’Hip Hop è una cultura che ha cambiato il mondo, portando la voce di una generazione di giovani emarginati e lottando contro l’ingiustizia sociale. La sua musica e la sua cultura hanno influenzato la moda, l’arte, la danza e la società nel suo insieme, diventando una vera e propria forma di espressione artistica e culturale.
La Stanza dei Fantasmi presenta il MixTape di Ed Crain: “Follia” MixTape
Sonorità Hip-Hop, Trap ed Fusion fanno da sottofondo a questo MixTape. Lo stato mentale vissuto durante la pandemia, i disagi e la limitazione della libertà individuale fanno da sfondo all’immaginario comune.
Pensato e scritto da Ed Crain, nell’arco di 4 mesi, è stato missato e masterizzato presso Zero Sucker Studio.
Disegno di Copertina di Ylenia Hudson.
Italo Matteo De Luca (in arte Ed Crain) classe ‘80. Si avvicina alla scrittura con stesura di abbozzati testi in prosa, dall’età adolescenziale. Le influenze d’oltreoceano, come Gang Starr e Chali 2na, e quelle nostrane, come Salmo e Primo, hanno modellato la passione per la culturaHip-Hop, attraverso l’approccio alla pratica del Rap. Nel 2015 pubblica il suo primo MixTape “Fuori Orbita“. Nel 2018 pubblica, di seguito, “A Cosa Pensi ¿” e “A Cosa Pensi ¿ 2.0“. Nel 2019, rilascia il singolo “Fallo Pure Tu“, disponibile su tutte le piattaforme digitali, in collaborazione con Lo Spettro, autore della composizione e del lavoro in studio, presso “La Stanza Dei Fantasmi“, a Milano.
“Il Mio Consiglio é…” Questa citazione è presa da un vecchio brano della Spaghetti Funk (se non sai chi sono torna a studiare) per indicare appunto i nostri consigli all’ascolto.
Due i parametri di valutazione: contenuti e sound, con un punteggio dei parametri che va da 1 a 5 👻 “fantasmini”.
RIOT – IZI
“Riot” il nuovo disco di Izi: Queste prime settimane di Novembre sono state caratterizzate dall’esplosione di grinta e stile del rapper genovese.
Va ascoltato col volume a 100, in qualsiasi momento della giornata. Riot spazia tra stili diversi, dando molto spazio ai featuring. Gli addetti ai lavori non vedono tutto ciò di buon occhio perchè ritengono che questa necessità di portare tanti featuring sia solo un modo per esprimere insicurezza nell’essere in grado di concepire e produrre un album da soli. Chi dice questo non c’entra nulla col mondo Hip-Hop, ma è solo l’ennesimo opinionsta del Rap e dell’ Hip-Hop, in quanto tematiche di attualità. Da sempre i featuring sono un valore aggiunto agli album: creano aggregazione, rappresentanza (NAS Rules) e “muovono” la scena.
Contenuto 👻👻👻👻👻 (5)
Come in tutti i dischi di Izi troviamo molta dell’esperienza personale dell’artista. Non mancano i confronti con la sua vera vita, i problemi giornalieri come la malattia e la famiglia (tema ricorrente per Izi). Gli artisti che hanno collaborato hanno mantenuto la linea tematica improntata da Izi. Featuring di livello altissimo: Guè Pequeno, Fabri Fibra e IDK tra gli altri.
Sound : 👻👻👻👻 (4)
Attenzione, non parliamo dei beats. Il Sound è quella sensazione inconscia che provoca stati d’animo e sensazioni nell’ascoltatore, anche la scelta dei mix vocali e degli strumenti utilizzati influiscono nella creazione del sound. Album dalle sonorità particolarmente aggressive, che varia parecchio nelle produzioni: si passa da beat tipicamente Trap, a sonorità più latine, fino alla Dance ed alla musica House. Per questo l’immaginario di rivolta collettiva è per noi completamente percepibile al primo ascolto. Forse qualche brano “bridge” al centro dell’album sarebbe stato utile per rilassare e ricaricare il colpo, ma va bene così.
Totale 👻👻👻👻👻👻👻👻👻 (9)
“Riot significa rivolta, sommossa e Izi, citando Martin Luther King, scrive “Una rivolta è in fondo il linguaggio di chi non viene ascoltato“. Questo è il concept del nuovo disco di Izi, che però precisa “il titolo nonché parola chiave del disco non vuole assolutamente incitare alla violenza ma a una rivolta spirituale, un invito ad usare il cervello e i poteri che abbiamo, a migliorare ed evolvere la nostra comunicazione, oltre che il nostro essere. Percepisco un bisogno estremo di risposte, Riot è un urlo di strazio che proviene da anime ancestrali, da chi cerca di comunicare da un’eternità, l’ultima spinta prima di farsi muto per sempre.“
La Stanza Dei Fantasmi 